Lembro da minha infância, interior de minas, igreja com poucos recursos, mas, uma coisa me encantava: a música. Nessa época ouvia a música na igreja e não tinha a menor noção de quem a cantava ou de qual disco era (isso mesmo disco) e isso não fazia a menor diferença, não era necessário saber de quem era, se estava na moda, se era a mais tocada, o que importava era que quando ouvia sentia paz.
Me incomoda muito o fato da letra ter perdido a importância na música cristã, geralmente se escolhe a música pelo arranjo ou se o cantor fulano de tal é quem canta, ou se toca na rádio etc. Não há o mínimo de preocupação com a letra e com que a música transmite. Já escrevi um artigo falando que as igrejas estão viciadas em emocionalismo baratohttp://www.feemusica.net/2011/09/emocionalilsmo-droga-gospel.html e isso me tira a motivação de ouvir os “louvores” nas igrejas, as músicas não tocam mais os corações, as letras não penetram na alma, o que temos são músicas que não dão para ser tocadas apenas com um violão, tem que ter um super arranjo de tão vazias e fúteis que são, porque a música quando toca de verdade não precisa nem de instrumento, basta uma voz.
É isso, a música tocava, e tocava em nós de tal forma que o compositor, cantor, instrumentista, arranjador etc, ficavam em segundo plano.
Compositores como Beethoven, Bach, Mozart, Tchaikovsky etc. são compositores que estão na história da música mundial, com Tom Jobim não é diferente, daqui duzentos anos suas músicas ainda serão ouvidas e estudadas.
Sem dúvida foi o músico brasileiro que mais se destacou no mundo, e se destacou por competência de sua música, que era única, era complexa e soava de maneira agradável, dificilmente haverá uma música tão popular (na época e ainda hoje em muitos paises) e complexa como foi a de Tom.
Frank Sinatra & Tom Jobim cantando Garota de Ipanema
From Ton to Tom – Essa música é uma homenagem de Toninho Horta para Tom Jobim que hoje estaria completando 86 anos.
Mais que merecida as homenagens a esse grande músico nordestino, suas melodias, harmonias e letras eram únicas. Ele é a autêntica música brasileira, um artista de verdade, cem anos são pouco para Luiz Gonzaga que será lembrado pra sempre.
Milton Nascimento (Rio de Janeiro, 26 de outubro de 1942) é um cantor e compositor brasileiro, reconhecido mundialmente como um dos mais influentes e talentosos cantores e compositores da Música Popular Brasileira.[1] Mineiro de coração, tornou-se conhecido nacionalmente, quando a canção "Travessia", composta por ele e Fernando Brant, ocupou a segunda posição no Festival Internacional da Canção, de 1967. Tem como parceiros e músicos que regravaram suas canções, nomes como: Wayne Shorter, Pat Metheny, Peter Gabriel, Gal Costa, Caetano Veloso, Gilberto Gil e Elis Regina. Em 1998, ganhou o Grammy de Best World Music Album in 1997. Foi nomeado novamente para o Grammy em 1991 e 1995. Milton já se apresentou na América do Sul, América do Norte, Europa, Ásia e África. Também conhecido pelo apelido de Bituca, nasceu no Rio de Janeiro, filho de Maria Nascimento, uma empregada doméstica muito humilde, que foi mãe solteira. Tentou criar Milton, o registrou e o levou para a casa dos patrões, mas foi demitida e viu que não poderia criá-lo tamanha miséria a qual vivia. Sofrendo muito, entregou o filho para um casal rico criar. Milton, então, foi adotado. Sua mãe adotiva, Líliam Silva Campos, era professora de música. O pai adotivo, Josino Campos, era dono de uma estação de rádio. Mudou-se para Três Pontas, em Minas Gerais, antes dos dois anos e aos treze anos já cantava em festas e bailes da cidade.
Hermeto Pascoal pra mim é um músico que está 200 anos a frente do nosso tempo. Sem dúvida será lembrado pra sempre assim como os grandes músicos da história. Só fico triste porque o mundo inteiro conhece o Hermeto, menos o Brasil.
Nascido em Olho d´Água e criado em Lagoa da Canoa, na época município de Arapiraca, estado de Alagoas, em 22 de junho de 1936, Hermeto Pascoal é filho de Vergelina Eulália de Oliveira (dona Divina) e Pascoal José da Costa (seu Pascoal). Foi no seu alistamento militar que colocaram o pré nome de seu pai como seu sobrenome.
Os sons da natureza o fascinaram desde pequeno. A partir de um cano de mamona de "gerimum" (abóbora), fazia um pífano e ficava tocando para os passarinhos. Ao ir para a lagoa, passava horas tocando com a água. O que sobrava de material do seu avô ferreiro, ele pendurava num varal e ficava tirando sons. Até o 8 baixos de seu pai, de sete para oito anos, ele resolveu experimentar e não parou mais. Dessa forma, passou a tocar com seu irmão mais velho José Neto, em forrós e festas de casamento, revezando-se com ele no 8 baixos e no pandeiro.
Mudou-se para Recife em 1950, e foi para a Rádio Tamandaré. De lá, logo foi convidado, com a ajuda do Sivuca (sanfoneiro já de sucesso), para integrar a Rádio Jornal do Commercio, onde José Neto já estava. Formaram o trio "O Mundo Pegando Fogo" que pegou fogo mesmo já na primeira vez em que tocaram, pois, segundo Hermeto, ele e seu irmão estavam apenas começando a tocar sanfona, ou seja, eles só tocavam mesmo 8 baixos até então.
Porém, por não querer tocar pandeiro e sim sanfona, foi mandado para a Rádio Difusora de Caruaru, como refugo, pelo diretor da Rádio Jornal do Commercio, o qual disse-lhe que "não dava para música". Ficou nessa rádio em torno de três anos. Quando Sivuca passou por lá, fez muitos elogios sobre o Hermeto ao diretor dessa rádio, o Luis Torres, e Hermeto, por conta disso, logo voltou para a Rádio Jornal do Commercio, em Pernambuco, ganhando o que havia pedido, a convite da mesma pessoa que o tinha mandado embora. Ali, em 1954, casou-se com Ilza da Silva, com quem viveu 46 anos e teve seis filhos: Jorge, Fabio, Flávia, Fátima, Fabiula e Flávio. Foi nessa época também que descobriu o piano, a partir de um convite do guitarrista Heraldo do Monte, para tocar na Boate Delfim Verde. Dali, foi para João Pessoa, PB, onde ficou quase um ano tocando na Orquestra Tabajara, do maestro Gomes.
Em 1958, mudou-se para o Rio para tocar sanfona no Regional de Pernambuco do Pandeiro (na Rádio Mauá) e, em seguida, piano no conjunto e na boate do violinista Fafá Lemos e, em seguida, no conjunto do Maestro Copinha (flautista e saxofonista), no Hotel Excelsior.
Atraído pelo mercado de trabalho, transferiu-se para São Paulo em 1961, tocando em diversas casas noturnas. Depois de um tempo, formou, juntamente com Papudinho no trompete, Edilson na bateria e Azeitona no baixo, o grupo SOM QUATRO. Foi aí que começou a tocar flauta. Com esse grupo gravou um lp. Em seguida, integrou o SAMBRASA TRIO, com Cleiber no baixo e Airto Moreira na bateria. No disco do Sambrasa Trio, Hermeto já registrou sua música "Coalhada".
Com o florescimento dos programas musicais de TV, criaram o QUARTETO NOVO, em 1966, sendo Hermeto no piano e flauta, Heraldo do Monte na viola e guitarra, Théo de Barros no baixo e violão e Airto Moreira na bateria e percussão. O grupo inovou com sua sonoridade refinada e riqueza harmônica, participando dos melhores festivais de música e programas da TV Record, representando o melhor da nossa música. Nessa época, venceram um dos festivais com "Ponteio", de Edu Lobo. Além disso, Hermeto ganhou várias vezes como arranjador. No ano seguinte gravou o LP QUARTETO NOVO, pela Odeon, onde registrou suas composições O OVO e CANTO GERAL.
Em 1969, a convite de Flora Purim e Airto Moreira, viajou para os EUA e gravou com eles 2 LPs, atuando como compositor, arranjador e instrumentista. Nessa época, conheceu Miles Davis e gravou com ele duas músicas suas: "Nem Um Talvez" e "Igrejinha". De volta ao Brasil, gravou o lp "A MÚSICA LIVRE DE HERMETO PASCOAL", com seu primeiro grupo, em 1973.
Em 1976, retornou aos EUA, gravou o "SLAVES MASS" e realizou mais alguns trabalhos com Airto e Flora.
Com o nome já reconhecido pelo talento, pela qualidade e por sua criatividade, tornou-se a atração de diversos eventos importantes, como o I Festival Internacional de Jazz, em 1978, em São Paulo. No ano seguinte, participou do Festival de Montreux, na Suíça, quando é editado o álbum duplo HERMETO PASCOAL AO VIVO, e seguiu para Tóquio, onde participou do LIVE UNDER THE SKY. Lançou o CÉREBRO MAGNÉTICO em 1980 e multiplica suas apresentações pela Europa.
Em 1982, lançou, pela gravadora Som da Gente, o lp HERMETO PASCOAL& GRUPO. Em 1984, pelo mesmo selo, gravou o LAGOA DA CANOA, MUNICÍPIO ARAPIRACA, onde registrou pela primeira vez o SOM DA AURA com os locutores esportivos Osmar Santos (Tiruliru) e José Carlos Araújo (Parou, parou, parou). Esse disco também foi em homenagem à sua cidade, que se elevou, então, à categoria de município e conferiu-lhe o título de Cidadão Honorário. Em 1986, o BRASIL UNIVERSO, também com seu grupo.
Compôs ainda a SINFONIA EM QUADRINHOS, apresentando-se com a Orquestra Jovem de São Paulo. Em seguida, foi para Kopenhagen, onde lançou a SUITE PIXITOTINHA, que foi executada pela Orquestra Sinfônica local, em concerto transmitido, via rádio, para toda a Europa.
Em 1987, lançou mais um LP: o SÓ NÃO TOCA QUEM NÃO QUER, através do qual o músico homenageia jornalistas e radialistas, como reconhecimento pelo seu apoio ao longo da carreira. Em 1989, fez seu primeiro disco de piano solo, o lp duplo POR DIFERENTES CAMINHOS.
Em 1992, já pela Philips, gravou com seu grupo o FESTA DOS DEUSES. Depois do lançamento, viajou à Europa para uma série de concertos na Alemanha, Suíça. Dinamarca, Inglaterra e Portugal.
Em março de 1995, apresentou uma Sinfonia no Parque lúdico do Sesc Itaquera, em SP, utilizando os gigantescos instrumentos musicais do parque. No mesmo ano foi a convite da Unicef para Rosário, Argentina, onde apresentou-se para 2.000 crianças, sendo que seu grupo entrou para tocar dentro da piscina montada no palco a pedido dele.
De 23 de junho de 1996 a 22 de junho de 1997, registrou uma composição por dia, onde quer que estivesse. Essas composições fazem parte do CALENDÁRIO DO SOM, lançado em 1999 pela editora Senac/ SP.
Em 1999 lançou o CD EU E ELES, primeiro disco do selo Mec, no Rio de Janeiro. Nesse CD produzido por seu filho Fábio Pascoal, Hermeto toca todos os instrumentos.
Em 2003, lançou, com seu grupo, o cd MUNDO VERDE ESPERANÇA, também produzido por Fábio.
Em outubro de 2002, quando foi dar um workshop em Londrina, PR, conheceu a cantora Aline Morena e convidou-a para dar uma canja no dia seguinte com o seu grupo em Maringá, PR. Em seguida ela foi para o Rio com ele e, no final de 2003, Hermeto passou a residir em Curitiba, PR, com ela. Assim, passou a dar-lhe noções de viola caipira, piano e percussão e, em março de 2004 estreou no Sesc Vila Mariana a sua mais nova formação: o duo "CHIMARRÃO COM RAPADURA" (gaúcha com Alagoano), com Aline Morena.
Em abril de 2004, embarcou para Londres para o terceiro concerto com a Big Band local, sendo que o primeiro já havia sido considerado o SHOW DA DÉCADA. Em seguida realizou mais alguns shows solo em Tóquio e Kyoto.
Em 2005 gravou o CD e o DVD "CHIMARRÃO COM RAPADURA", com Aline Morena, além de realizar duas grandes turnês com seu grupo por toda a Europa. O cd e o dvd de Hermeto Pascoal e Aline Morena foram lançados de maneira totalmente independente em 2006.
Neste ano de 2010 está lançando o novo cd com Aline Morena, denominado "Bodas de Latão", em comemoração aos sete anos juntos na vida e na música! Esse cd contem duas faixas multimídias, gravadas às margens do Rio São João, na estrada da Graciosa, em Morretes, Paraná. Além disso, conta com composições novas e antigas do Hermeto, uma composição e algumas novas letras de Aline e uma música de Astor Piazzolla.
Atualmente, Hermeto Pascoal apresenta-se com cinco formações: Hermeto Pascoal e Grupo, Hermeto Pascoal e Aline Morena, Hermeto Pascoal Solo, Hermeto Pascoal e Big Band e Hermeto Pascoal e Orquestra Sinfônica. Diz ele que, por enquanto, é só!! Esse é o nosso "CAMPEÃO"!!!
Obs. Público, shows e discos têm todos a mesma importância para o Hermeto. Não há melhor público, nem melhor show, nem melhor disco. São todos filhos muito amados por ele. Portanto, o que foi mencionado nessa biografia refere-se apenas a um resumo dos fatos que foram lembrados.
Dupla sertaneja formada pelos irmãos José Ramiro Sobrinho, o Pena Branca (Uberlândia MG 1939) e Ranulfo Ramiro da Silva, o Xavantinho (Uberlândia 1942). Desde pequenos trabalharam na roça com os pais e mais cinco irmãos. José Ramiro tocava viola.
Começaram a cantar em 1962 e, em 1968, mudaram-se para São Paulo SP para tentar a vida artística. Em 1980 inscreveram-se no Festival MPB Shell da TV Globo, com a música Que terreiro é esse?, de Xavantinho, que foi classificada para a final. No mesmo ano, a dupla lançou o seu primeiro LP: Velha morada (Warner), com destaque para Cio da terra (Milton Nascimento e Chico Buarque) e Velha morada (Xavantinho).
A dupla participou, em 1981, do programa Som Brasil, na TV Globo, apresentado por Rolando Boldrin, com quem atuou depois em shows pelo Brasil. Em 1982 lançaram o LP Uma dupla brasileira, produzido por Boldrin, com os destaques Memória de carreiro (Juraildes da Cruz) eRama da mandioquinha (Elpídio dos Santos).
Em 1987 lançaram o LP O cio da terra (Continental), com participação de Milton Nascimento, Marcus Viana e Tavinho Moura, destacando-se Vaca Estrela e boi Fubá (Patativa de Assaré) eCuitelinho (folclore recolhido por Paulo Vanzolini). Em 1988 lançaram o LP Canto violeiro(Continental), com participação de Fagner, Tião Carreiro, Almir Sater e outros, contendoMulheres da terra (Xavantinho e Moniz).
Ganharam em 1990 o Prêmio Sharp de melhor música (Casa de barro, de Xavantinho e Moniz) e melhor disco (Cantado do mundo afora). Em 1992, CDs Renato Teixeira e Pena Branca e Xavantinho – Ao vivo em Tatuí (Kuarup) recebeu o Prêmio Sharp de melhor disco e o Prêmio APCA. Gravaram em 1993 Violas e canções (Velas), destacando-se Viola quebrada (Mário de Andrade). Nesse ano, os shows da dupla estenderam-se aos EUA.
Lançaram ainda Ribeirão encheu (Velas), em 1995, com Luar do sertão (João Pernambuco e Catullo da Paixão Cearense), e Pingo d'água (Velas), em 1996, com Tristeza do jeca (Angelino de Oliveira) e Flor do cafezal (Luís Carlos Paraná).
O artista alemão Kolja Kugler criou uma escultura de 250 kg que toca baixo a partir de sucata.
O escultor construiu 'A Freakin Bass Player', que em tradução livre poderia ser algo como um baixista muito louco, como o primeiro integrante de uma banda de robôs.
O enorme robô músico sabe tocar duas canções: Unsung, do Helmet, e Bad, do No Means No.
Kugler afirma que já tem os materiais para os próximos músicos da banda, o tecladista e o baterista.
Ele diz torcer por um "parto" mais rápido, já que levou três anos para montar o baixista.
Enquanto isso, continua a divertir os berlinenses com Sir Elton Junk, um robô menor e mais abusado, que também é bem mais fácil de transportar.
Estrelada (M. Nascimento/M. Borges) e Manoelzinho da Crôa (Tavinho Moura)
Tavinho Moura é mineiro de Juiz de Fora. Músico, cantor e compositor. Seu primeiro trabalho como compositor foi para o cinema, trilha sonora do filme de longa metragem O Homem de Corpo Fechado, de Schubert Magalhães. No primeiro Festival Estudantil da Canção, ganhou o segundo lugar com a música Como Vai Minha Aldeia, parceria com Márcio Borges. Deste festival participaram vários compositores que viriam a ser seus amigos, parceiros e músicos em futuras gravações, Lô Borges, Beto Guedes, Toninho Horta, Milton Nascimento, Túlio Mourão, Murilo Antunes entre outros. Discos e CD´s: Como Vai Minha Aldeia (RCA), Tavinho Moura (RCA), Cabaré Mineiro (EMI/Odeon), Engenho Trapizonga (EMI/Odeon), Noites do Sertão, patrocinado pela Cenibra, Cabloco D'água-Intrumental de Viola (Velas), Trindade- Tavinho Moura, Marcus Viana e Carla Vilar (NS), O Aventureiro do São Francisco (Quilombo/Warner), Diadorado- Instrumental de Viola (Velas), Conspiração dos Poetas, Tavinho Moura e Fernando Brant, participaçào especial de Beto Lopes (CD Minas), O Tronco (Raiz), e o mais recente CD Cruzada (Lapa discos). Paralelo ao trabalho de disco Tavinho se dedica a composição para o cinema. Cabaret Mineiro, Perdida, Noites do Sertão, Minas Texas, Idolatrada, O Bandido Antônio Dó, Vivos ou Mortos, Amor e Cia, O Tronco, entre outros. Recebeu prêmios como melhor autor de Trilha Sonora nos festivais de cinema de Gramado (3 vezes), Brasília (3 vezes), prêmio da crítica de São Paulo e Minas, Coruja de Ouro. A trilha sonora do filme Amor & Companhia de Helvécio Ratton ganhou o Prêmio do III Festival do Cinema Brasileiro de Miami. Outros trabalhos foram realizados para teatro e ballet, destacando-se O Padre e a Moça, com coreografia de Gilberto Mota, para o Palácio das Artes, comemorando os oitenta anos do poeta Carlos Drummond. Algumas de suas composições foram gravados por Milton Nascimento, Beto Guedes, Almir Sater, Boca Livre, !4-Bis, Flávio Venturine, Simone, Pena Branca e Xavantinho, Engenheiros do Havaí, entre outros. Seus principais parceiros: Fernando Brant, Márcio Borges, Murilo Antunes, Milton Nascimento, Beto Guedes, Ronaldo Bastos. Realizou recentemente a ópera popular Fogueira do Divino em parceria com Fernando Brant. Apresentada no Palácio das Artes sob a regência de Nelson Ayres, com arranjos para orquestra sinfônica de Nivaldo Ornelas, coro, nove interpretes, o espetáculo foi gravado ao vivo e o CD já lançado pela gravadora Dubas de Ronaldo Bastos. A convite da Rhythmic Music Conservatory de Copenhagem participou da semana de música brasileira na Dinamarca, oferecendo um curso sobre sua música, ritmos e harmonias da música mineira. Foi gravado no mês de maio de 2004 um CD com a Orquestra Sinfônica de Minas Gerais, interpretando 16 obras de sua autoria, com arranjos e regência de Wagner Tiso. LEONARDO MAGALHÃES GOMES ESCREVE SOBRE LIVRO DE TAVINHO: OURO EM CIMA DE OURO: A prosa poética de Tavinho Moura “Dos ríos – un de clara fama (...); otro, casi secreto (...) – juntan aquí sus aguas. La mitología no es una vanidad de los diccionarios; es un eterno hábito de las almas. Dos ríos que se juntan son, de algún modo, dos númenes antiguos que se confunden.” (Jorge Luis Borges) Compositor do primeiro time brasileiro, cantor e instrumentista dos melhores, Tavinho Moura pode se orgulhar de uma carreira artística que prima pelo rigor estético, coerência e fidelidade a si mesmo e ao caminho escolhido. Sua contribuição para nossas vidas ultrapassa mesmo o prazer de ouvir suas belíssimas canções: ele tem sido um infatigável pesquisador, descobridor e divulgador da cultura mineira, e, com isso, tem nos despertado para a enorme riqueza, variedade, e possibilidades desse patrimônio maior de Minas Gerais, sua gente e a cultura que dela se origina. Apesar de ter sua obra musical já consagrada e incorporada ao cancioneiro nacional, Tavinho não descansa e percorre, como o autêntico descobridor que é, uma outra vereda, a da criação literária, e nos presenteia com mais um mimo: o ciclo de estórias barranqueiras Maria do Matué, Uma estória do Rio São Francisco. É uma série de estórias, ou melhor, de poemas em prosa em que, pela boca da personagem título, é narrado o transcorrer da vida nas proximidades ou na margem mesma do Rio São Francisco. Por eles passam tanto os personagens do rio quanto os do mato: os vapores, os canoeiros, faiscadores de ouro, jagunços, onceiros, os festeiros da Marujada, gente de variadas etnias como os matueiros, comedores da lesma do caramujão, os gringos em busca do ouro, os mais diversos animais, seres reais e mitológicos. Nas estórias encontramos a cultura da margem do rio, suas festas, hábitos alimentares, cosmogonia e, principalmente, sua mitologia. Mas sem nenhuma pretensão ao reducionismo folclórico, Maria do Matué é literatura – e de primeira qualidade. Por que poemas em prosa? Porque mais importante que o enredo específico, os acontecimentos que têm seqüência lógica, clímax dramático e desenlace – embora eles existam e sejam narrados com clareza – a estória flui pelas lembranças da narradora, por sua mente e alma, como o rio em seu leito, e, até, como ele, algumas vezes transborda, quando o leito é pouco para a impetuosidade da corrente. Nesse fluir, acompanhamos a caminhada de Maria pela vida, suas lutas, a decisão de largar tudo e recomeçar em outro lugar, guinada necessária quando o casamento naufraga; os perigos enfrentados com a coragem simples dos fortes, as angústias e perdas, as alegrias e contribuições, que deságuam, como verdadeira poiesis, no despertar da consciência individual e construção do mundo consciente bem sintetizada no trecho: Caminho para o fim cada vez mais sabendo de mim. Com o orgulho da minha vida de barranqueira desse Rio de São Francisco que de tão grande me põe no mundo todo. O autor guia o leitor através desse processo com mão de mestre, e demonstra ter dominado o novo meio com segurança rara até mesmo em gente mais experimentada, pois, apesar de Tavinho ser um artista maduro, esse é seu primeiro livro de ficção. Os maiores perigos, nesse caso, são o colorismo fácil, o falar errado, em que o defeito se transforma em efeito e o uso dos exotismos em um regionalismo de pacotilha. Nada disso acontece em Maria do Matué. Consciente de uma tradição literária de que fazem parte nomes como Afonso Arinos, Godofredo Rangel, Mário Palmério e Guimarães Rosa, o escritor trabalha seu texto com toda a limpeza, precisão de linguagem e cuidado necessários para honrar essa tradição, e consegue. Maria do Matué é uma grande contribuição, mais uma na verdade, desse artista, para nossa cultura. Como na peixada de dourado com mel de mandaçaia, temos o ouro da cultura popular realçado pelo ouro da prosa poética de Tavinho Moura. Como se não bastasse tudo isso, o livro nos reserva outras surpresas que aumentam ainda mais seus atrativos: sua apresentação gráfica e o CD incluso com composições de Tavinho Moura. A apresentação gráfica, criada pelo escritório Hardy Design, é de primeira qualidade; além disso, o livro vem acompanhado de uma aquarela de Mario Zavagli e de ilustrações de Jorge dos Anjos. A aquarela de Zavagli representa a região abrangida pelas narrativas de Maria do Matué. Como é tradicional nesse artista, trata-se de obra de alta criatividade, em que são representados, com a poesia inspirada pelo texto, os lugares por onde andou Maria. Os desenhos em preto e branco de autoria de Jorge dos Anjos são, na verdade, grafismos que ilustram o texto de maneira sutil e dão ao leitor uma visão onírica dos personagens e situações apresentadas. Como convém às boas ilustrações, elas comentam o texto de maneira mais a estimular a imaginação do leitor do que a lhe dar uma imagem definida dos elementos representados. O CD tem 12 faixas, todas de autoria de Tavinho Moura, umas em parceria com gente como Fernando Brant e Ronaldo Bastos, e outras somente dele, em que o universo ribeirinho do livro é tratado de maneira musical. Não são ilustrações literais do texto, mas representações paralelas do mesmo universo poético – afinal, o Rio São Francisco vem sendo um tema recorrente na obra de Tavinho Moura. Há canções já conhecidas, como Chico Caminhador e Porto das Flores, gravadas pelo Trio Amaranto, e outras inéditas. Chamo a atenção para a participação das cantoras Mariana Brant e Poliana Cruz, que demonstram total afinidade com as músicas apresentadas. O CD mantém a qualidade já conhecida pelos apreciadores da música de Tavinho. Elogiar a obra musical de Tavinho Moura é chover no molhado, já que nesse campo ele está entre os grandes. Esperamos que esta conjugação da poesia literária com a poesia musical desse artista seja a primeira de muitas outras dessa nova fase de sua carreira.
Filho de Noêmia Monteiro Villa-Lobos e Raul Villa-Lobos, foi desde cedo incentivado aos estudos, pois sua mãe queria vê-lo médico. No entanto, Raul Villa-Lobos, pai do compositor, funcionário da Biblioteca Nacional e músico amador, deu-lhe instrução musical e adaptou uma viola para que o pequeno Heitor iniciasse seus estudos de violoncelo. Aos 12 anos, órfão de pai, Villa-Lobos passou a tocar violoncelo em teatros, cafés e bailes; paralelamente, interessou-se pela intensa musicalidade dos "chorões", representantes da melhor música popular do Rio de Janeiro, e, neste contexto, desenvolveu-se também no violão. De temperamento inquieto, empreendeu desde cedo escapadas pelo interior do Brasil, primeiras etapas de um processo de absorção de todo o universo musical brasileiro. Em 1913 Villa-Lobos casou-se com a pianista Lucília Guimarães, indo viver no Rio de Janeiro.
Em 1922 Villa-Lobos participa da Semana da Arte Moderna, no Teatro Municipal de São Paulo. No ano seguinte embarca para Europa, regressando ao Brasil em 1924. Viaja novamente para a Europa em 1927, financiado pelo milionário carioca Carlos Guinle. Desta segunda viagem retorna em 1930, quando realiza turnê por sessenta e seis cidades. Realiza também nesse ano a " Cruzada do Canto Orfeônico" no Rio de Janeiro. Seu casamento com Lucília termina na década de 1930. Depois de operar-se de câncer em 1948, casa-se com Arminda Neves d'Almeida a Mindinha, uma ex-aluna, que depois de sua morte se encarrega da divulgação de uma obra monumental.[9]O impacto internacional dessa obra fez-se sentir especialmente na França e EUA, como se verifica pelo editorial que o The New York Times dedicou-lhe no dia seguinte a sua morte. Villa-Lobos nunca teve filhos.
Faleceu em 17 de novembro de 1959. Encontra-se sepultado no Cemitério São João Batista no Rio de Janeiro.
Em 1960, o governo do Brasil criou o Museu Villa-Lobos na cidade do Rio de Janeiro.
Lembro da minha infância, interior de minas, igreja com poucos recursos, mas, uma coisa me encantava: a música. Nessa época ouvia a música na igreja e não tinha a menor noção de quem a cantava ou de qual disco era (isso mesmo disco) e isso não fazia a menor diferença, não era necessário saber de quem era, se estava na moda, se era a mais tocada, o que importava era que quando ouvia sentia paz.
Minha homenagem hoje vai para um dos maiores compositores do mundo. Milton Nascimento Completou 70 anos semana passada.
